Informalismo de la Escuela de París: Jean Dubuffet

Después de la II Guerra Mundial, Europa y América compartieron la enfermedad de la guerra, la crisis… Todo esto no se podía superar creando un arte bello y por eso, dentro del nuevo arte abstracto europeo, coinciden varias cosas, como la declaración de la espontaneidad de la técnica, la liberación de convencionalismos y formas heredadas, cultivo del subsconciente…

También hay diferencias claras entre América y Europa. El informalismo lo ponemos como “Escuela de París” por esa tradición que tiene. París está siendo menos radical y Europa quedó eclipsada por el arte americano y por eso se conoce menos.

En Europa se produce una revitalización de la abstracción a través del informalismo. El término de informalismo lo va a acuñar un crítico francés, Michel Tapié, en el libro Un Art Autre de 1952 y con informalismo pretende agrupar a todos los artistas que realizan un tipo de pintura abstracta y espontánea.

Por una parte, está Europa dividida, por lo que Churchill denomina “el telón de acero” y más allá de ese telón, se imponía un realismo socialista, el arte aprobado por la URSS y los países socialistas. En el resto de países del viejo continente, a partir de 1945, va a parecer ganar un arte realista que abogase por la belleza y el goce estético, ya que todos esos goces estéticos válidos en el pasado parecían incompatibles con la destrucción y muerte que se estaba viviendo en el presente. La inteligencia y la razón para estos artistas no servía para nada, porque fruto de ello había llegado el hombre a la catástrofe.

No solo el sentir de los artistas y de la sociedad había cambiado, sino que el panorama artístico también lo había hecho por la situación vital de los propios artistas. En 1940, París es invadida por los nazis y pierde la capitalidad cultural.

Los artistas que residían en París se dispersan y muchos se exilian a EEUU, aunque otros se quedan por Europa. Otros artistas que no estaban en Francia, pero que están en países que sufren, también se exiliarán. En un principio es un exilio europeo, aunque finalmente muchos cruzan el charco. Muchos artistas estarán en campos de concentración, unos sobreviviendo y otros no. Muchos también son movilizados para la guerra, y algunos mueren en el campo de batalla. En el caso de los artistas alemanes, algunos de ellos tendrán que huir porque su arte es considerado degenerado y se destruye.

Hay bastantes diferencias entre el expresionismo abstracto americano y el informalismo, aunque ambas surgen del sentimiento dramático que se estaba viviendo. Pero en Europa, no va a haber un grupo compacto, pues en la Escuela de Nueva York aunque eran muy distintos en lo que realizaban, si había relación y conocimiento de lo que hacían otros pintores. El expresionismo abstracto en EEUU se consideraba una corriente netamente americana y por ello va a ser apoyada por las instituciones públicas y privadas. En cualquiera de los dos casos (expresionismo abstracto americano e informalismo), pretenden expresar su mundo interior.

En los artistas informalistas no va a haber necesidad de un goce estético en sí, sino que se van a meter en la parte más oscura de la mente humana. Es decir, que un artista se centre en el individuo personal, no quiere decir que no quiera expresarlo hacia el mundo.

El punto de arranque de este arte informalista está en Origen de la obra de arte (1951), libro publicado por Martin Heidegger, donde pone el acento en que la esencia del arte sería ponerse en la operación de la verdad del ser. Lo que resalta es que el arte, ahora, se va a basar en la verdad del ser: una verdad que es el cimiento de la obra, lo cósico.

La búsqueda de la belleza ya no les importa y lo cósico es que la obra es una cosa, la materia. Por esto, lo propiamente existente en una obra es la cosa como tal y por ello, la materia será lo que más preocupe a los artistas. Empezarán a usar materiales de todo tipo para que la materia en sí misma hablara.

Hay que destacar a Michel Tapié. En 1951 da el término de “L’art informel” en la exposición “Signifiants de l’Informel” y por esto escribe el libro Un Art Autre (1952). El arte informal es lo que ofrece al espectador algo no figurativo y muy extremo.

Uno de los pioneros será Jean Dubuffet (1901-85). Es el más interesante de los pioneros del informalismo europeo. Le fascinaban las pinturas infantiles, lo que hacían los psicópatas… lo que no tenía formación. Él veía como inútil la habilidad del artista profesional que tenía como único objeto extinguir toda espontaneidad.

Nació a principio de siglo en l’Avre, aunque con 17 años se traslada a París. Allí estudia en la Academia Juliane y en 1924 se hace negociante porque él había nacido en el seno de una familia de comerciantes de vinos. Se dedicaba a la industria del vino. A partir de 1942 viene el colapso, cuando rompe con la familia y decide dedicarse al arte.

Acuña el término de “Art brut” donde engloba técnicas artísticas al margen del arte oficial. Esto le lleva a que en 1946 haga “Compañía del Art Brut”, donde redacta los estatutos y los fines, que era ir a la búsqueda de producciones artísticas que no se deben a individuos oscuros, que tienen un carácter especial, fuera de los ámbitos heredados.En 1949 reúne a una serie de artistas de estas tendencias y hacen la exposición de Art brut. A partir de 1946 se considera antiplástico, que implica el rechazo por el interés de la cualidad pictórica y empieza a trabajar con otras materias, empezando a hacer imágenes figurativas y empieza a trabajar con empastes y técnicas nuevas.

Son texturas y en 1946 hace una exposición y es cuando empieza a experimentar con esos nuevos materiales y le empezó a emocionar los objetos cotidianos, sobre todo las texturas que nos llama la atención. Un ejemplo es Viaje en auto, realizado de mala manera a propósito. A partir de los años 50′ empieza a hacer series y es muy importante la serie Lady’s body, que son mujeres muy expresionistas y donde se hace una asociación a los símbolos de fertilidad prehistórica.

En 1951 se marcha a Nueva York y empieza a darse a conocer. En 1953 hace La mesa, compañera constante y es una obra muy significativa de Dubuffet. La pinta en una imagen frontal, plana, con mucha textura y entonces empieza a sugerir otra vez una serie de cosas: parece un gran animal. Con los materiales y la simplicidad de las formas, indica que no tiene una intención figurativa, sino de sugerencia hacia otro mundo.

A partir de 1956 llega otra fase, como en Calle de piedras, donde utiliza todo tipo de trozos de género pintado y lo pone como mosaico. Empieza a dar nuevos enfoques a la materia física y lo que quiere es atacar todas las convicciones del ataque serio. Esto le lleva a hacer una serie de Puertas, donde destaca la textura de las paredes. Todo esto lo mezcla con fragmentos y lo relaciona con nuevas texturas.

A partir de aquí todo cambia. Entre 1962-74 llega su etapa de L’Hourloupe, un ciclo inventando por él que refleja el mundo fantasma en el que vivimos. Así, empieza a desmaterializar el mundo, empieza a divagar… y hace una inmersión en lo fantasmagórico y empieza a crear un universo paralelo, basado en laberintos. Con esto empieza a hacer series.

Esto empieza a crecer y comienza a hacer una serie de meandros complejos y laberínticos que fluyen de manera libre y empieza a desarrollar un amplio repertorio de color. Adquiere un sentido de tres dimensiones y descubre un gran material, el poliestireno.

Este material le permite moldear y además es resistente y aquello que estaba en plano comienza a tener tres dimensiones y comienza a crear estructuras de ese mundo paralelo. A partir de 1964 empiezan a aparecer laberintos inquietantes y aquí anula el color o mete colores. 

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